Как «Мона Лиза» попала из бани в Лувр

portret chety arnolfini mona liza

Кажется, что шедевр – это нечто совершенное. Но иногда картина становится шедевром не благодаря мастерству художника, а из-за внимания журналистов или даже по чистой случайности.

Множество картин, которые сегодня занимают самые высокие рейтинговые места среди наиболее известных и дорогих, еще 100 лет назад не вызывали у публики никакого интереса. Как произведения искусства становятся знаменитыми и стоит ли поддаваться очарованию улыбки Джоконды?

Приключения… шедевров

Об этом горожанам рассказали на пятничном лектории интеллектуального клуба «Химия слова».

В этот раз в ДК «Тольяттиазот» выступала искусствовед, писатель, филолог Алина Аксенова, и говорила она о том, как же картины становятся шедеврами.

– Расскажу, конечно же, не всё, а только некоторые примеры того, как одни картины стали шедеврами и почему. Я это называю приключениями шедевров.

У многих известных произведений искусства еще ведь и интереснейшая биография. Картина может быть известна не только сама по себе, но и благодаря своей истории. Это может быть история создания: например, художник писал портрет какой-нибудь дамы, а она не хотела позировать, он уговаривал или даже подкупал ее, – пояснила лектор.

Если говорить о картинах художников XX века, то работы их порой служили перегородками для клеток, ими накрывали бочки с соленьями. Полотна часто выступали в роли разделочных досок. Да у того же Леонардо да Винчи некоторые картины были крышками стола, ведь тогда писали на дереве…

Случались и курьезы: например, когда на рубеже XIX-XX веков составляли список ста величайших шедевров, хранящихся в Лувре, «Джоконда» в него не попала. А что сегодня представляет собой зал, где висит она? Толпы туристов, немыслимой толщины пуленепробиваемое стекло, и несколько тысяч селфи в день делается на фоне картины, которая еще 100 лет назад мало кого интересовала.

Вроде ехал, шел, чтобы полюбоваться «Моной Лизой», ну да, хорошая картина, но вот рядом с ней висит «Сельский концерт» Джорджоне. И ничем не хуже, а таких толп, как у «Джоконды», нет.

портрет девушки мона лиза

«Джоконда»

Ее загадочная улыбка завораживает. Одни видят в ней божественную красоту, другие – тайные знаки, третьи – вызов нормам и обществу. Но все сходятся в одном: в ней есть нечто таинственное и притягательное.

Сегодня эта картина размером 77х53 сантиметра хранится в Лувре за толстенным пуленепробиваемым стеклом. Изображение, сделанное на доске тополя, пережило ряд не слишком удачных реставраций и заметно потемнело за пять столетий. Однако чем старше становится картина, тем больше людей притягивает: Лувр ежегодно посещают 8-9 миллионов человек.

– И как же так? Одна картина стала шедевром, а другая – просто хорошая картина? – задалась вопросами искусствовед. – Какая же она – история «Моны Лизы»? Я хотела бы сейчас, представляя эту картину, показать абсолютно идеальный, хрестоматийный и образцовый путь шедеврализации.

В данном случае должна сослаться на коллегу Григория Козлова. Он написал книгу «Покушение на искусство», там есть глава, посвященная знаменитой картине Леонардо, и его концепция заключается в следующем. Автор рассматривает интерес и этот резонанс, который вызывает произведение искусства, как круги на воде. Вот мы бросили камень и видим эти круги. Давайте разбираться.

Что же происходит первым делом, когда на свет появляется настоящий шедевр? На это самое произведение реагируют люди из того самого цеха, в котором существует художник. И критики.

Но сначала скажу пару слов о том, что эта картина безоговорочно заслуживает внимания. Ее второе название – «Джоконда» – переводится как «веселая женщина». И назвал ее так в середине 16 века искусствовед Джорджо Вазари.

Можно долго рассматривать портрет этой молодой женщины. Но ясно одно, что Леонардо да Винчи своим произведением совершил большой прорыв: он обобщил все те открытия и знания, которые уже были сделаны в области живописи.

Это был период эпохи Возрождения, когда все каноны, традиции средневекового искусства начинали как-то уходить в прошлое, ломаться, и возникали законы новые. И Леонардо собирает их все вместе. И дает нам уже такой классический образ красоты, спокойствия, гармонии. «Мона Лиза» абсолютно безмятежна, находится в состоянии внутреннего душевного баланса и равновесия.

А еще Леонардо утвердил в этой картине идеальный ракурс: трехчетвертной разворот фигуры. Так лучше всего выглядит человек.

Он первым стал писать… воздух, который обволакивает черты лица и делает переходы от света к тени незаметными. Сочетание достигнуто с помощью особой техники, изобретенной художником, – сфумато (с итальянского – «исчезающий, как дым»). Именно этот живописный прием, когда краски наносятся слой за слоем, и позволил Леонардо создать воздушную перспективу в картине. Таких слоев художник нанес бесчисленное множество, и каждый был почти прозрачным. Благодаря приему свет по-разному отражается и рассеивается по холсту – в зависимости от угла зрения и угла падения света. Потому и выражение лица модели постоянно меняется.

Загадка улыбки «Моны Лизы» состоит в том, что она заметна только тогда, когда зритель смотрит выше рта женщины на портрете, но стоит перевести взгляд на саму улыбку – она исчезает. Ученые объясняют это оптической иллюзией, которая создается путем сложного сочетания цветов и оттенков. Этому способствуют особенности периферийного зрения человека…

Следующий круг восприятия – коллекционеры. Художники в 16 веке писали картины только по заказу, а покупали затем их работы герцоги, короли, кардиналы и многие другие богатые, знатные, властные люди…

Но сам Леонардо не хотел расставаться с «Моной Лизой», и, возможно, это первый случай в истории, когда автор не отдал заказчику работу, несмотря на то, что забрал гонорар.

Первым обладателем картины после мастера стал король Франции Франциск I. Он тоже был в восторге от портрета. Король купил его у да Винчи за невероятные по тем временам деньги – 4000 монет золотом, а затем поместил в своем дворце, правда, в личной бане-купальне…

Итальянец Винченцо Перуджиа в 1911-м выкрал шедевр из Лувра, увез на родину и целых два года скрывался вместе с ней, пока не был задержан при попытке передать картину директору галереи Уффици. Словом, во все времена портрет флорентийской дамы притягивал, гипнотизировал и восхищал.

портрет четы арнольфини

Чета Арнольфини

Картина Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» 1434 года считается самым обсуждаемым полотном эпохи раннего Возрождения. В ней зашифровано немало скрытых символов, указывающих на то, чему на самом деле посвящен сюжет. Даже спустя несколько столетий не утихают споры, кто же изображен на полотне и запечатлел ли автор сам себя.

На полотне предположительно изображены купец Джованни ди Николао Арнольфини и его супруга, однако многие искусствоведы до сих пор расходятся в этом вопросе. По поводу личностей людей на портрете нет точного мнения.

Картина полна и других загадок. Например, неясно, какой момент из жизни супругов запечатлен. Согласно одной из версий, здесь изображено бракосочетание: Джованни сложил пальцы так, как это происходило во время произнесения клятвы.

Противники гипотезы о том, что на картине изображено бракосочетание, указывают на то, что у героев не на те руки и не на те пальцы надеты кольца. Плюс рукопожатие не характерно для свадебных церемоний.

Есть предположение, что на картине ван Эйк изобразил себя с супругой Маргаритой. В пользу этого исследователи указывают на портретное сходство дамы и жены художника, а также на статуэтку святой Маргариты, которая изображена над кроватью – она якобы намекает на имя героини.

Важный смысловой элемент картины – зеркало на стене. В зеркале пара главных персонажей отражается со спины, показаны также дверь в противоположной стене комнаты и два человека на ее пороге – в красном и синем одеяниях. Судя по силуэтам костюмов, это мужчина и женщина, но черты их лиц невозможно разобрать. Некоторые исследователи, обращая внимание на то, что надпись над зеркалом гласит: «Ян ван Эйк здесь был», считают, что один из стоящих на пороге комнаты – сам художник.

«Портрет четы Арнольфини» – одна из самых популярных работ художника. Долгое время она переходила из рук в руки, потом на какой-то период была забыта. Сейчас картина вновь приобрела известность, в том числе и в нашей стране.

картина щегол

«Щегол» Фабрициуса

– Заговорив о личной драме художника, можно вспомнить, что составляющая такого абстрактного понятия весьма портретна. И шедевром в связи с именем подобного художника может стать картина первая или последняя. Или если сам художник не очень известный, но ученик кого-то великого или учитель. Это тоже работает.

А еще очень хорошо для картины, если ее мастер успел посидеть в тюрьме или участвовал в какой-нибудь войне, революции. Но если все эти факты сошлись – вообще отлично.

Или, например, трагически погиб, – туманно заговорила лектор.

На экране нам показали художника и его последнюю картину. Карел Фабрициус трагически погиб, был учеником великого Рембрандта и учителем не менее талантливого Вермеера.

Картина «Щегол» была написана Фабрициусом в 1654-м, и в этом же году 32-летний мастер погиб при взрыве пороховых складов, разрушившем целый квартал голландского города Делфт. Погибли при этом и почти все работы художника. Из всего творческого наследия сохранились всего 16 работ, и каждая – на вес золота. И вот «Щегол», находящийся в одной из частных коллекций, сохранился.

К светлой голой стене прикреплен птичий насест. На верхней перекладине сидит щегленок – птичка невольная. К его лапке прикреплена цепочка, которая не дает как следует взлететь.

Щеглы были излюбленными питомцами в Голландии в XVII веке, так как их можно было обучить пить воду, которую они зачерпывали маленьким ковшиком. Это развлекало скучающих хозяев.

«Щегол» Фабрициуса принадлежит к так называемым картинам-обманкам, очень популярным в то время. Это было тоже развлечением для владельцев картины. Поражать ее «3D-эффектом» своих гостей…

О гениальном художнике и его работе знали лишь искусствоведы. Но всё изменилось благодаря американской писательнице Донне Тартт. И мир вспомнил мастера. И заинтересовался его картиной.

Роман «Щегол» Донны Тартт вышел в 2013 году и сразу же стал событием в книжном мире, получив Пулитцеровскую премию. А с октября 2013-го по январь 2014 года в Нью-Йорке в музее Генри Фрика проходила выставка «Шедевры голландской живописи из Маурицхёйса», где наряду с Рембрандтом и Вермеером посетители могли увидеть картину Карела Фабрициуса «Щегол».

Именно благодаря этой картине выставка собрала рекордное число посетителей. На тот момент эксперты оценивали «Щегла» в 300 миллионов долларов. И это была самая высокая цена за когда-либо написанную картину.

«Щегла» Фабрициуса никогда не крали из музея, как описано в книге Донны Тартт. Он до сих пор благополучно висит в галерее Гааги. И почему писательница обратилась к данной картине, неведомо. Но от этого союза явно выиграли все…

Читайте: Кто нарисован на картине «Джоконда»

Алина Нестерова, газета «Вольный город Тольятти»